Aliens Over My Head

Estoy disfrutando mucho…

 

 

Pero ojalá volviera…

La "Guerra Cultural"

He estado leyendo últimamente sobre una de mis obsesiones, la guerra de Vietnam—el que tenga interés en lo bélico y no le haya metido, le da la espalda al segundo conflicto más fascinante del siglo XX—y, viendo todo el descalabro social que iba en aumento en los años 60’, que reventó en el 68’ pero que sentiría hasta 1973, me vino a la mente el concepto moderno de “guerra cultural”.

 

Ese período presidencial que LBJ arranca en 1963 abre nada más y nada menos que con el asesinato de un presidente, Kennedy. Nuestro hemisferio venía de una época de crecimiento sostenido y estabilidad con los años 50’, imposible adivinar lo que se venía. La guerra arranca oficialmente en 1965, año en el que también es asesinado Malcolm X, activista por los Derechos Humanos y las libertades civiles. Los 60’ en general fueron una época donde se consideraba que tú podías resolver un altercado político matando a la otra persona. El rock and roll que ya se veía atrevido con Elvis meneando la cintura, se convierte en una verdadera fuerza contra-cultural, primero con los Beatles pero luego con bandas más agresivas y con un contenido político más pesado, muchas de las cuales tomarán directamente al tema de Vietnam con rechazo. Es la década de la mini-falda y una generación de mujeres que dicen, por primera vez (de esa manera), que ellas no son apéndice del hombre, que tienen el derecho a controlar su futuro sexual y reproductivo y que si no les da la gana ponerse sostén, pues no se lo ponen.

 

La recluta, que se supone que va para todos los jovencitos americanos en edad de matar (pero no de votar), tiene privilegios: Tú podías obtener un diferimiento si demostrabas que estabas empleado en una vaina calificada o si estabas en la universidad, es decir que la recluta, esa supuesta lotería que mandó a una generación a la trituradora de Vietnam, se afincó especialmente en chamos pobres y principalmente negros. Martin Luther King dijo, con dos bolas, que qué bonito es que los jóvenes de color de los Estados Unidos tenían que ir al sureste asiático a defender libertades que ellos mismos no tendrían en el sur de Georgia. De la mano con esto, el atleta más famoso de la década, Muhammad Ali, sería objeto de esta recluta a la que se negaría, diciendo ante los medios que el enemigo suyo no era ningún Viet Cong sino los opresores blancos que lo jodían en su país y que no tenía sentido ir a arriesgar el pellejo cuando ningún comunista lo había llamado a él nigger.

 

Se desata una ola de protestas contra la guerra, que era realmente una ola de protestas contra el establishment. Manifestaciones importantes fueron lideradas por Martin Luther King, hasta que lo asesinaron en 1968—y dos meses después, el candidato demócrata que estaba casi en la Casa Blanca, Bobby Kennedy, es asesinado también. Los soldados que llegaban del frente venían súper desilusionados y le decían a la televisión que el gobierno mentía, que fueron a la guerra para nada y que todas estas medallas no tenían ningún valor. Estas manifestaciones pacifistas se replican en todo el mundo.

 

Se radicalizan los movimientos políticos y raciales, estos últimos con los Black Panthers (principal pero no únicamente), teniendo su expresión más extrema en el Ejército Simbionista de Liberación, que mataba gente y secuestraría en 1974 a la heredera millonaria Patty Hearst y la pondría a robar bancos. No hubo ciudad grande en la unión que no se volviera terreno de enardecidas protestas, muchas veces con la guardia nacional tomando la calle y llevándose gente presa sin ton ni son. Desde Chicago y Detroit hasta los disturbios de Watts en la costa oeste, la meta era prender al país en candela. Las universidades parecen santuario seguro de protesta hasta que en 1970 la guardia nacional agarra a tiros a una manifestación en Kent State, Ohio, matando a cuatro estudiantes e hiriendo a nueve. No sería el único evento de armas en una universidad.

 

En 1969 se descubre que el año anterior, un grupo de soldados americanos, supuestos defensores de la libertad y la justicia, masacraron a todo un pueblo llamado My Lai. Se habla abiertamente de que la guerra se perdió. En 1967, The Velvet Underground saca la canción Heroin, y ese reventón tendrá su apogeo en Woodstock, también en el 69’, año en el que Sharon Tate es asesinada por un culto de hippies diabólicos.

 

En 1974, el presidente de los Estados Unidos renuncia a su cargo al enfrentarse a la realidad (que era un bandido) y en 1975 cae Saigón.

 

Todo esto es muy a vuelo de pájaro. Pasaron otras cosas, pero esto es lo que me viene a la mente ahorita.

 

Y uno ve todo eso y lo contrasta con quienes dicen ahora que hay “una guerra cultural”, con la osadía propia del ignorante, porque hubo una cosa llamada Black Lives Matter y una gente quería cambiarse el género. Un bando dice que como esta serie de televisión no tiene suficientes actores de color, hay que boicotearla y acosar a los productores y asegurarse de que no vuelvan a trabajar más nunca en la vida, que paguen por sus pecados para siempre. El otro bando dice que como esta serie de Disney tiene muchas mujeres y actores de color, hay que boicotearla y acosar a los actores y productores, hasta que paren en la indigencia.

 

Lo mismo con las películas, lo mismo con los video juegos y lo que tú te imagines. Es, básicamente, una pelea de internet, sobre la que predica gente que vive conectada todos los días, con prácticamente ningún efecto en tu vida real. Y todo está enfocado en la cultura pop, es una pelea para controlar series de televisión que no me gustan y perseguir a gente que me cae mal por cómo se ve y cómo habla. Tienen el atrevimiento de decir que esto es el acabose, lo más bajo que hemos caído como cultura. La guerra cultural empieza con las películas y terminará en tu casa, una cosa que estoy escuchando desde algo así como el 2016 y que, en diez años, no termina de darse.

 

No, the western world isn’t ending; you’re just too ignorant to tell.

Vampires Suck!

Pregunta: ¿Existe la película de vampiros que asuste?

EC —Instagram.

 

Sí, pero antes de responder eso me excuso porque mi idea es una columna semanal y la verdad es que entre el trabajo y mis labores literarias personales, hermano mío, time is short.

 

Vamos con los muertos vivos: Esa pregunta que EC hace existe desde que nuestro querido Bela andaba seduciendo señoritas con su capa, su medalla y su acento extranjero; a decir verdad, esto está en el corazón del arquetipo del vampiro desde su génesis. ¿Cuál es el subtexto de Drácula? Que en la Londres victoriana todo el mundo es gente decente y las mujeres son muy formales y bien portadas, hasta que llega un extranjero a seducirlas con un beso que las vuelve locas. Solución: Los rectos señoritos deben cazar a este pervertido transilvano (y sus tres esposas pelvelsas).

 

Es difícil, pues, un vampiro que seduzca señoritas y que luzca como los mostrencos grotescos de From Dusk Till Dawn. Ya antes de Drácula hubo dos vampiros repulsivos: El famoso Conde Orlok, interpretado por Max Schreck en Nosferatu, y el tremebundo Profesor de London After Midnight, hecho por Lon Chaney en quizá la película perdida más famosa que hay. No sabemos a ciencia cierta qué tan aterradores resultaron a las audiencias contemporáneas, pero pocos años después, cuando Lugosi se puso la capa, ya estaba bien firme en la consciencia popular que los colmillos del vampiro entran realmente por los ojos y el corazón.

 

Supuestamente cuando el rol cayó en manos de Christopher Lee, esto cambió porque el Drácula de Hammer, bajo la dirección de Terrence Fisher, es un personaje más siniestro. Sus pasos no suenan y aunque es muy educado cuando nos habla por primera vez, a lo que se le cruza el apellido se le inyectan los ojos de sangre y toma un lenguaje corporal propio de un lobo. Se supone, amigo mío, se supone que cuando estrena en los años 1950s, la gente se asustaba porque la peli era además gótica y tenía sangre en technicolor.

 

Otra cosa que tenía era escotes interesantísimos. Y let’s face it, Christopher Lee was a hot piece of ass in his time. Alto, oscuro y misterioso, y además con dinero, con sangre azul (fuera de chiste), no sorprende que el tipo pronto tuviera chorropotocientas fans preguntándole en cartas si es verdad que el vampiro chupa.

 

Aquí donde estoy, y echando memoria, creo que el vampiro más “espuki” que me viene a la mente es, otra vez, Nosferatu pero esta vez en la piel de Klaus Kinski—pero eso es porque Klaus Kinski was a scary motherfucker himself—y para que veas cómo son las cosas, en ese mismo año en que Herzog dirige la nueva versión del vampiro alemán, tenemos a Frank Langella como un Drácula romántico y seductor.

 

La cosa no se pondrá tenebrosa sino hasta los 80’, con dos pelis en particular. Primero, The Hunger, en 1983, donde los hematófagos principales son Catherine Deneuve y David Bowie, two of the fucking sexiest people ever. La peli abre con una secuencia que servirá de inspiración para 90 libros de Vampiro, La Mascarada (y con música de Bauhaus, no less) en un vampireo delicioso, perfecto y violento. El resto de la película se disuelve in some arthouse stuff, pero al menos aquí ya hay un par de vampiros con quienes no quieres irte a casa.

 

Hay un aspecto muy interesante del vampirismo que aparece justamente en la tercera edición de Vampiro, la Mascarada (que incluso si no te gustan los juegos de rol, sigue siendo una excelente obra de referencia sobre los no-muertos) que explica cómo debe ser la realidad de una persona que debe vivir de noche y alimentarse de sus congéneres para vivir. El libro detalla que el vampirismo es realmente una puerta hacia la degeneración donde entre más tiempo ha vivido la persona, más separado se siente de todo lo que le volvía mortal. Algo así como el Doctor Manhattan pero con Depeche Mode de fondo.

 

Hay una peli que refleja eso: Mi favorita del tema y la ópera prima de Kathryn Bigelow, Near Dark.

 

Si tú te pones a ver, aquí están todos los elementos para una peli vampírica adolescente regular. Nuestro prota, un Adrian Pasdar con ojos de venadito perdido, se consigue con una linda rubia en esas eternas carreteras americanas donde lo que sobra son los camiones y estaciones de gasolina. Pasdar, que en la peli se llama Caleb, no sabe que esta chica de quien se ha enamorado es una vampira, que ahora le ha pasado la maldición y lo integra a su grupo de viajeros de la noche, mientras su familia hace la lucha por salvarlo y traerlo al mundo de los vivos.

 

Ese es el mismo argumento de The Lost Boys, que estrenó también en 1987 y es mucho más popular que mi consentida. La dirige Joel Schumacher, protagoniza Jason Patrick (también con ojos de venado perdido), la vampira sensual es Jami Gertz y en la banda de vampiros está Kiefer Sutherland. Salvándole la vida a Patrick tienes a los dos Corey (Feldman y Haim), una vaina invencible en la taquilla de ese año.

 

Pero mientras Boys es una buena peli para la generación MTV, Near Dark es oscura y violenta. La banda de vampiros, liderada por Lance Henriksen y con Bill Paxton y Jenette Goldstein a la cabeza, no van pendientes de enamorar a la audiencia, lo de ellos es la sangre y la van a obtener como sea. Infame es la escena en que pretenden volver un cazador al joven Caleb, metiéndolo en un bar de mala muerte del que nadie saldrá con vida. Acá no hay extranjeros con acentos seductores ni un sexy Kiefer picándole el ojo a la pantalla: La crueldad de estos vampiros es inhumana y realmente impresiona sobre lo lejos que pueden llegar.

 

La música la hace Tangerine Dream, de paso. This is the good stuff, buddy.

 

Pero ya sé qué es lo que estás pensando.

 

Vic, este resumen histórico está muy bonito, pero yo quiero un beta que me perturbe, que me cueste dormir.

 

Vale. Si eres susceptible a la violencia (o sencillamente a las buenas historias), Near Dark es la respuesta, pero si lo que quieres es una cosa perturbadora, grotesca y terrorífica, la peli salió hace pocos años, es francesa y aunque no la conoce nadie, es de lo mejorcito de la década: Le Vourdalak.

 

Acá estamos en el siglo XVIII y nuestro improbable héroe es un marqués de esos a los que Robespierre descabezará años después. Jacques Saturnin, el peluche en cuestión, se pierde por esos bosques góticos donde es mala idea andar sin caballo cuando cae la noche, y desesperado y recién robado, para en la casa de familia de un tal Gorcha.

 

El ambiente en la oscura cabaña está pesadito porque Gorcha se fue a matar turcos, adviertiéndole a su familia, “Si no regreso dentro de seis días es porque me mataron, y si regreso después de esos seis días, no me abran la puerta”. Bueno, mi hermano, los seis días se cumplen justo en esa jornada en que Jacques está de visita y aunque nadie cree en espíritus, una cosa en la que sí cree Jacques con fervor es en las nalgas de la hija de Gorcha, una bella chica llamada Sdenka.

 

Él se queda por ella, subestimando la leyenda. Conocerá a un suegro verdaderamente infernal.

 

Yo no sé con cuánta plata hicieron Le Vourdalak y ni siquiera quiero mostrarte al diseño del vampiro; sí te diré que a Gorcha no lo interpreta un actor sino una marioneta que no esconde su naturaleza. El personaje es un muñeco y punto. Pero el ambiente, la actuación del ensamble y la excelente dirección de Adrien Beau (quien da voz a la criatura) hacen de esta peli una vaina sensacional. Aunque Jacques no es un héroe y más bien es un protagonista antipático, Le Vourdalak da esa sensación de que estás viendo una película prohibida cuyas perversiones van mucho más allá de unos actores interactuando con un muñeco.

 

Si un vampiro existiera de verdad, y no es que este sea yo manteniendo la mascarada, sería indudablemente como Gorcha: Inmoral, decrépito, cruel y 100% aterrador. No creo que haya alguien que se asuste si se cruza con Robert Pattinson pelando los colmillos en un callejón oscuro, pero a este maligno espectro francés no lo querrás en tus sueños.

SINNERS: El Arte Os Hará Libres

Hace unos años, después de que salió The VVitch y Hereditary, y Get Out, el fandom de los sustos en el cine empezó a ver una curiosa expresión, “horror elevado”, la forma que tenían los críticos y comentaristas en las esquinas de internet para referirse a películas que tenían un libreto bien formado y que hablaban de mucho más que del monstruo bajo la cama. “Esta es una película inteligente,” exponían, “porque Get Out es realmente sobre todo este asunto racial que al director se le da tan bien.” Entonces The Invisible Man era elevada porque se trata de misoginia y la vida que sufre una mujer con un acosador, y Summer of 84’ era elevada porque bajo ese texto de asesinatos en un vecindario bien está una historia sobre la pérdida de la inocencia y el duelo que deja abandonar la niñez. Esto siempre es con películas nuevas, porque la marca real de una persona que usa la expresión “elevated horror” es su crasa ceguera sobre el género que está comentando, dios los libre de ir al pasado y ver una película en blanco y negro.

 

Porque, hermanazo, películas de terror con texto y subtexto y sendos libretos existen desde que el cine es cine. Ahí tienes Repulsion, Les Diaboliques, Psycho y la mamá de la película de terror social, Night of the Living Dead.

 

Este año salió otra de las “elevadas”, que desde ya te digo que es una de las mejores pelis de terror de la década, un cover muy inteligente de una canción de Robert Rodríguez y Quentin Tarantino enfocado ahora no a la explotación y la violencia, sino a cómo los terrores fantásticos son realmente metáforas para los ineludibles monstruos de nuestro mundo real—y cómo a veces lo único que necesitas para salvarte es el arte.

 

Nosotros lo vivimos cuando, en pandemia y encerrados, la gente se volvía loca por un nuevo documental, una nueva canción, una peli, libro o juego de video. Un par que está clarísimo sobre la comunión divina entre la vida y la música son los gemelos Smoke y Stack Moore, unos muchachos de cuidado que pelearon en la Gran Guerra y sirvieron después en el ilícito ejército de Capone y Giancana, moviendo licor por Chicago y ajustándole las tuercas a quien se sale del carril.

 

Pero el año es 1932 y estos chicos, que han acumulado unos centavos, quieren dejar todo eso atrás y montar un negocito bien chévere donde la gente pueda ir a tomarse su traguito, bailar y disfrutar de la mejor música del momento—y quizá de hoy—, el blues. Problema número uno: Los hermanos Moore son negros. Problema número dos: están en Mississippi.

 

Contexto porque hay quien no lo sabe, sobre todo entre nosotros latinos que crecimos sin esa tara cultural del racismo: Los Estados Unidos, a diferencia del resto de las Américas, tuvo que esperar a la segunda mitad del siglo XIX para liberar a sus esclavos y esto sólo fue después de una sangrienta guerra que destruyó a la mitad del país. Los antiguos esclavos pasaron de trabajar sin piedad en los campos a una libertad a veces emulada porque sí, tenían independencia, pero no tenían plata ni casa, ni bienes ni aceptación de la mayoría de la sociedad blanca. Muchos terminaron volviendo a las fincas de sus antiguos amos para seguir trabajando en condiciones marginalmente mejores a las que tenían.

 

Esta situación perduró hasta los años 1970’ en el sur de los Estados Unidos, que fue cuando se derogaron las últimas leyes de segregación racial. No me creas a mí, sólo ponle la oreja a los grandes bardos de nuestra era, todos ellos negros y comediantes gringos: Dave Chappelle, Eddie Murphy, Richard Pryor, Chris Rock, Bernie Mac… esa es una sociedad donde, si tú eras negro y estabas en el lugar equivocado, ver mal a una mujer blanca podía ocasionar tu linchamiento, como le pasó a Emmett Till, justamente en Mississippi. Y si tú crees que esas taras ya están superadas, a Rodney King le metieron una pela en 1991 (y en Los Angeles, fuera del sur) y la discusión sigue prendida tras el asesinato de Trayvon Martin y Eric Garner, entre tantos otros.

 

Esto es algo que una persona que no haya caminado en los Estados Unidos y visto la segregación que existe hoy no lo va a entender. Es una vaina que en Latinoamérica no tenemos, acá nuestro pecado original es el clasismo, pero tú no vas a ir caminando de un sector de la ciudad a otro y resulta que ahora todo el mundo a tu alrededor es negro y los blancos no pasan por aquí. Es una cosa tan bizarra que genera muchísimo shock cultural cuando te das cuenta de que cruzaste una frontera invisible.

 

Es por eso que cuando los hermanos Moore están cuadrando su parranda, se sobreentiende que esta es una fiesta segregada. El bar es de negros, con músicos negros, para un público negro que todavía vive en la pobreza y en los márgenes del pueblo, con menos oportunidades que sus pares blancos y dándole duro a esos campos como si aquí no cambió nada. Uno de esos músicos es primo de los Moore, el wunderkind del blues Sammie “Preacher Boy” Moore; mi hermano querido, los terrores afuera de este bar son tantos que sobran, pero a lo que Sammie empieza con esa guitarra y el buen Slim lo acompaña en el piano, el terror ya no importa. Entre la música, estamos salvados.

 

Y tanta es la vida que irradian en el nuevo bar que un personajito siniestro y vomitado por la noche, el irlandés Remmick, se ve atraído por el jolgorio. Su encuentro con los Moore será un duelo sangriento, filosófico y hasta musical.

 

Sinners es una película de Ryan Coogler, el mismo de Pantera Negra, Wakanda Forever y, muy importante, las películas de Creed, que es donde más brilla junto al también protagonista de esta cinta—y uno de los mejores actores que Hollywood tiene hoy—Michael B. Jordan, por acá en el rol doble de los gemelos. Ya hablé de Rodríguez y Tarantino, y quien vaya por la mitad de esta peli podrá ver el paralelismo con una inspiración confesa, la brillante From Dusk Till Dawn, pero donde la epopeya Tex-Mex apuntaba a la explotación, al gore y la violencia, acá el foco está en lo estético y en el contexto social e histórico.

 

Los hermanos Moore, y me quito el sombrero, pana, ante su actor, no son tan diferentes on paper de los hermanos Gecko, pero es como el efecto mariposa, los eventos y el entorno lo cambian todo: Resulta muy curioso cómo empezando la peli, Slim cuenta cómo un talentoso músico que él conocía termina linchado por atreverse a tener un sueño rodeado de imbéciles racistas, y tú sabes que ambos hermanos se ven reflejados en ese cuento, ellos quieren creer (y nosotros con ellos) que el sueño es posible. Los sueños de los Gecko, en contraste, eran rial y las piernazas de Salma Hayek—sueños validísimos, hay que decir.

 

Entonces Sinners no está “elevada” sólo por su libreto, como diría el crítico típico de internet, sino que toda la puesta en escena y la dirección de arte existe para arrastrarte a este poema de sangre donde dar el paso equivocado con la sociedad mainstream tiene graves consecuencias. Pilla esto:

 

Este es el antedicho Remmick (papelazo de Jack O'Connell, que ya destacaba en This is England), que quiere entrar al bar con sus dos compinches. Musicalmente, la escena la saca del estadio y yo quiero ver el trascámaras para ver si esa gente realmente armoniza así. Pero, aparte de que esta es una escena que te trae a esa era de Hollywood donde el cine era realmente de espectáculo y canción, fíjate bien qué es lo que hay debajo. Gente en el grupo de los gemelos está viendo clarito que esto no es tres blanquitos equis que vienen a cantar, aquí hay algo siniestro y depredador; la amenaza está en la iluminación de la escena y en el lenguaje corporal de los histriones, porque la cancioncita es chévere, está ahí para distraerte como distrae incluso a uno de los hermanos, pero esa sonrisa que tiene Remmick y esos hombros agachados con los ojos saltones del pana a la derecha no es la actitud de un amigo.

 

Conforme vamos viendo la peli, comprobamos la naturaleza oscura de estos visitantes, que no quiero arruinar del todo por acá, pero es que lo que nuestros héroes temen es algo muy real, fíjate que la primera pregunta que lanzan es “¿Ustedes son del Klan?”

 

(Y es un detallazo, porque los irlandeses eran marginales en el Reino Unido también).

 

Hay una teoría sobre el cine de terror que reza que debajo de toda gran película de miedo hay realmente un drama ante el cual los personajes reaccionan. Ya, The Exorcist es la historia de una niña poseída pero también es el drama de una mujer cuya hija está enferma, los doctores no saben qué es (sólo esto es aterrador de por sí) y la única salvación está en un cura con crisis de fe. Sinners conecta contigo porque no hay que hacer mucha imaginación para entender a qué se refiere la historia, con un drama que mucha gente vive en todo el mundo.

 

En fin, anda a ver Sinners. Te espera un soundtrack que vas a ir a escuchar a lo que rueden los créditos (pendiente, que hay una secuencia después de los créditos iniciales) y unas escenas sobre las que seguiremos hablando dentro de 10 años. Una sensacional historia sobre la verdad de ser marginado y cómo las pequeñas victorias son amaneceres que rescatan de tan oscuras noches que nos tocan…

La Funcional Disfunción de Puppet Master

Te reto a que expliques con lógica a Puppet Master.

 

Ese es un reto que ni los productores de esas películas pueden cumplir, pero acá haré el esfuerzo metiéndome en el subsuelo, en la cloaca, en las alcantarillas del cine que es donde toca hacer vida. Porque te quiero.

 

Puppet Master, hecha directo-a-video y que nosotros en Venezuela disfrutamos gracias al mal gusto o la necesidad de alguien en RCTV, es una franquicia que consta, mi hermano en Cristo, de quince películas a la fecha de redacción, quince, eso es un uno con un cinco, donde la mejor del montón (o la peor, depending on how you’re wired inside) se llama The Littlest Reich, la peli donde las marionetas son herederas del imperio nazi y van por ahí cometiendo crímenes de odio.

 

Pero para hablar del choque con muelto que es Puppet Master como franquicia, hay primero que hablar de Dolls, pero no puedes hablar de Dolls sin primero tocar Ghoulies, es decir que hay que hablar de Gremlins.

 

Y de un man cuyo nombre no le va a sonar a nadie y sin embargo es una de las personas claves en la configuración del cine barato por algo así como dos décadas: Charles Band, auto-reconocido buhonero del cine.

 

Cuando a Band se le ocurre la idea para Puppet Master, él ya tenía años de años haciendo cine insultante y barato, pero muy creativo, y aún hoy presume de haber vendido una película de Linda Blair donde la famosa actriz apenas sale—Savage Island, de 1985. Por esa película, que Band y Ted Nicolau hicieron con recortes de otras dos películas, Linda Blair se ganó el Golden Raspberry a peor actriz, distinción que comparte con la ganadora del Oscar Halle Berry, también ganando $50 mil por una sola noche de rodaje y Savage Island terminó haciendo un 400% sobre la inversión en el mercado de video para Charles Band y su empresa de ese momento, Empire Pictures. So you tell me who’s the fool here.

 

But I digress; Mientras Steven Spielberg, Chris Columbus y Joe Dante calentaban motores para Gremlins, una peli de monstruitos que se apoderan de un pueblito en navidad, Charles Band tenía por su lado una idea para un afiche de un monstruito grotesco que sale de un retrete con un tagline irresistible: “Ghoulies: THEY’LL EAT YOUR ASS.”

 

Ambas películas son bastante diferentes entre sí, la verdad, pero aunque Ghoulies entró a producción primero, se quedó sin plata a mitad de camino, permitiéndole a Dante ganar con Gremlins la carrera al estreno.

 

Los gremlins como concepto y artilugio narrativo no dan para mucho más que esa película (el propio Dante lo sabía cuando hizo la secuela, y se nota), pero Gremlins demostró que había negocio para películas de bichitos feos y de ahí vienen Critters, Troll, Hobgoblins, una vaina que la conocerán en su casa que se llama Munchies y vaya usted a saber qué cantidad de títulos hechos todos con un cupón de mercado y una caje’ cigarros. Muchas de esas películas tienen sus méritos—Critters es una de esas raras sagas donde la segunda película es mejor que la primera—y aunque la mayoría es totalmente olvidable, todas hicieron plata para sus creadores porque salieron directo-a-video.

 

¿Y sabes qué película sí salió en el cine y resultó un éxito en taquilla?

 

Ghoulies.

 

A diferencia de las pelis de los grandes estudios con las grandes estrellas, una direct-to-video está hecha desde el inicio bajo la premisa de que esto será de bajo presupuesto, con actores desconocidos, explotando algún elemento de la trama como el sexo, o los carros, o la acción, o el horror, y la idea es que tú inventes un arte para la portada que se vea interesante en los anaqueles de la tienda de video, para que la gente rente la película bajo la impresión de que hay algo qué rescatar ahí. Esto es Roger-Cormaniano de librito. Para el momento en que la gente se da cuenta de que rentaron fucking Hobgoblins 2, ya es tarde, ya pagaron, ya ahí te toca tu platica y como la inversión fue tan baja, vas a tener ganancias. Es el mismo modelo de negocios del drive-in de los años 50’, el grindhouses de los 60’ y 70’, y el “directo-a-streaming” de hoy en día.

 

Puppet Master trae en el ADN lo que Band empezó con Ghoulies y que continuó con Dolls, de 1986, una cinta con la misma premisa exacta del tema del día. Puppet Master, de 1989, tendrá poco qué ver con su secuela, que tendrá casi nada qué ver con la tercera, la película donde las marionetas son buenas y su artífice, el marionetero André Toulon, las usa para pelear contra nazis en la Francia invadida. Puppet Master III: Toulon’s Revenge está muy bien ya fuera de joda y fue rodada casi que en tres semanas(!!!) en el backlot studio de la Universal, que esta gente logró alquilar—o sea que hay una película de Puppet Master que tiene los mismos escenarios de aquellos clasicazos, así que no se puede decir que esta gente no tiene inventiva, creatividad y capacidad de resolver. Esa peli, por cierto, fue dirigida por un man llamado David DeCoteau, que es un carajo que siempre se las ingenia para meter una vaina homoerótica en sus trabajos, generalmente en la forma de un chamo bien formado que va por ahí en interiores. David DeCoteau está ahorita haciendo películas malísimas con Vivica A. Fox.

 

Vivica A. Fox, dog, she was in fucking Kill Bill. She’s working with David DeCoteau now.

 

Puppet Master, la primera, es un refinamiento de Dolls porque el diseño de los muñecos es un éxito innegable, a tal punto que eso es todo lo que la película ofrece. La trama más o menos: El titiritero André Toulon es capaz de darle vida a objetos inanimados, así que los nazis le montan cacería para robarse el secreto. No en Francia, sino en California. Justo cuando los nazis dan con el hombre, Toulon se vuela los sesos y 50 años después, hay una convención de psíquicos en el mismo hotel donde Toulon se mató y en medio de todo eso están los títeres malignos echándoles cuchillo para revivir a un bicho ahí.

 

Ese atisbo de trama da para una y solo una película con un metraje que puedes estirar con muertes estúpidas, erotismo, mucho rodaje reciclado (hay una secuencia onírica que se repite al menos una vez) y secuencias de titirestismo real, que en verdad sí está muy bien logrado. Los títeres, a saber, son:

·       Blade: El más famoso y el rostro de la franquicia, es el que parece un oficial de la Gestapo con cara de Klaus Kinski. Porta un cuchillo por mano y un garfio por otra. Las cuelas expanden su origen, pero no lo pienses mucho porque no tendrá sentido. Lo de Kinski es a propósito.

 

·       Pinhead: No confundir con el sacerdote infernal de Clive Barker. Un nombre más apropiado para este sería “El Manotas”, es el que es todo fortachón pero tiene manos tamaño real. Es entretenido ver cómo la producción se las ingenia para unir al títere y lo que es claramente las manos de un técnico (una actriz enana).

 

·       Tunneler: Es el que parece un oficial alemán con ojos negros y un taladro en la cabeza que da para interesantes secuencias gore. Una de las secuencias le pondrá el más creativo nombre de “Drill Sergeant.”

 

·       Leech Woman: La realmente grotesca y creepy del grupo, es la muñeca que vomita sanguijuelas que se comen a la gente, supongo. La secuencia de esta marioneta es la que recuerdas si viste esa primera película.

 

·       Jester: Un arlequín que no hace nada, pero que tiene un ingenioso método para cambiar caras. Visualmente interesante, no como para diez películas, pero sí para llenar espacio en la película.

 

Todas esas marionetas tienen su historia y se supone que contienen las almas de amigos y enemigos de Toulon, pero no lo pienses mucho ni trates de sacarle mucha lógica porque, y este es realmente el beta de Puppet Master, estas son películas que se hicieron en una era previa al concepto moderno de “franquicia”; Con cada secuela que produjo Band, entró un equipo de producción nuevo que hacía de la trama lo que le daba la gana, así que el lore realmente es lo que tú quieras. Ve:

 

En Puppet Master II, André Toulon revive como un cadáver supurante que se disfraza de El Hombre Invisible e invita a otros psíquicos a otra convención para tratar de seducir a una de ellas, que es la reencarnación, creo, de un amor perdido. Esta película es mejor que la anterior desde la calidad de la fotografía a los efectos, diseño de producción y creatividad—la secuencia final es tenebrosa de verdad con esos rostros plásticos raros. Una peli competente, no una vaina milagrosa, pero sí la mejor aplicación del concepto original con una estructura de slasher y excelente efectos de stop-motion. Al team de marionetas se suma:

 

·       Torch: Este también parece un soldado nazi y hace las veces de lanzallamas.

 

Puedes ignorar la primera y empezar en esta.

 

O en la tercera, haz lo que tú quieras, aquí se vino a joder y demenciar, ahora Toulon es bueno y los títeres luchan contra el tercer Reich, mano. Si tú viste esta película cuando salió en la tele en los años 90’, la película es arrechísima y el diseño de producción, para el presupuesto marginal que tenía esta gente, is nothing short of sensational, David DeCoteau merece todos los elogios porque además y por primera vez en la serie, aquí hay un libreto real, una historia. PM II termina con una promesa bien interesante, títeres humanos que van a un manicomio a picar gente, pero olvídalo, ahora esto es fantasía histórica. El libreto tiene ciertas similitudes con otra película de la factoría de Band, el espectacular y gotesco clasicazo Re-Animator.

 

Mira, la elección te la dejo a ti, ¿te gustan más los títeres asesinos? Puedes ver Puppet Master II y Littlest Reich. ¿Prefieres títeres fantásticos matando nazis? Arranca con la tercera y, uh, varias otras secuelas, son como dos conceptos aplicados a los mismos personajes con una continuidad prácticamente inexistente. Puppet Master III: Toulon’s Revenge es también la peli donde las marionetas se empiezan a mercadear con todo y comercial orientado a chamos, derivado de una peli cargada de terror, tripas y tetas, las tres Ts de la victoria.

 

Al equipo asesino se une:

 

·       Six-Shooter: El vaquero. Los efectos de cómo se mueve este personaje en la época era increíble porque no teníamos alta definición, ahorita tú ves varias secuencias de esta peli y se ven clarito los hilos. Nadie haciendo estas películas para VHS en 1991 pensó que estaríamos hablando de ellas en el 2025. Lo que sí se conserva perfecto son los efectos de stop motion.

 

Puppet Master III is legit fine. Para un nerd como yo, it ticks all the boxes y además cierra con la promesa de que vamos ahora a aventuras anti-fascistas por Europaaaaa…

 

…Puppet Master IV ignora todo lo anterior y ahora, mi hermano, las marionetas son parte de una maldición egipcia promovida por un malo de los Power Rangers y hay marionetas malas. No sé qué decirte, supongo que un buen director con buena visión puede sacarle mucho jugo a un presupuesto infame, pero eso no es lo que tenemos aquí y agárrate, porque no lo será por mucho tiempo, las secuelas van bajando la calidad. Por regla general, tú puedes señalar al bajo presupuesto de una película si toda la banda sonora se puede hacer con un solo sintetizador (píllate el soundtrack de Universal Soldier), pero el director de esta peli es Jeff Burr, director de Masacre en Texas 3, de las mejorcitas del montón. Inexplicable. PM 4 y 5 son para el olvido.

 

La 6 es las cavidades del mamarrachismo. DeCoteau vuelve a las andadas pero sin libreto, plata y ni siquiera rodaje, porque muchas secciones son recortadas de películas anteriores. Hay una escena lamentable, que tiene a los personajes conversando en una cena, y hablan de las marionetas y el prota hace como que las mira. La peli, mano, corta a escenas de otras películas o a clips que se nota que la marioneta no estaba realmente ahí. Patético.

 

Lo que sí hay es tipos en interiores, ya te expliqué a David DeCoteau.

 

De aquí en adelante lógica hay, pero la de la plata; Retro Puppet Master, que sería la 7, es indigna de comentario; Puppet Master vs Demonic Toys tiene un título mucho más interesante que la película en sí; Puppet Master: Axis of Evil es un blip de vida porque al menos volvemos a la segunda guerra mundial, pero hasta ahí, esto es un somnífero total.

 

Y mira, hermano, yo he tratado de verlas todas e incluso con mi gusto en bazofia, la vasta mayoría de entregas aquí son infumables. Charles Band lo ha dicho: Hubo momentos en que su productora del momento (ha sido varias) tenía problemas graves de caja, así que cedió el nombre y los derechos de Puppet Master que si al SyFy Channel, los resultados son lo que te imaginas.

 

Así que como todo el mundo lo ha hecho, HERE’S MY PITCH FOR A PUPPET MASTER MOVIE:

 

Un grupo neonazi se apodera de un bar de strippers al margen de una carretera texana. Los skinheads de turno vienen a cobrarle a Honcho, el dueño del local (interpretado por Joe Spinell), que tiene años vendiendo anfetamina por ellos y lavándoles la plata. Honcho no tiene la plata, así que Lil’ Adolf (Brent Werzner) le da una paliza y la tropa decide apoderarse del bar y todo el money que produzca, hasta que la deuda esté saldada—¡con intereses!

Pero mientras atormentan a los clientes y a las chicas del local, no saben que una de las bailarinas es Andrea Toulon (Katharine Isabelle), quien ha huido toda la vida de un legado que ahora podrá salvarle la vida...

 

They are lovers…

 

They are killers…

 

THEY ARE MOTHERFUCKING PUPPETS!!!

 

And if you think you’re goose-marching in our streets, THINK AGAIN, BITCH!!!

 

Puppet Master 69: The Passion of the Puppet

 

Primera parte de una historia que terminará en las marionetas cabalgando lobos sanguinarios: Puppet Master 69, part II: 2-Pup, 2 Pet!!!

 

Ya la canté así que no me roben la idea.